Anime Cult Speciale sulle Locandine degli Anime
L'articolo è tratto dal sito corriereNERD
Nel mondo dell’animazione giapponese, l’arte delle locandine ha sempre avuto un ruolo fondamentale nel catturare l’essenza di un film e nel renderlo indimenticabile per i fan. A febbraio 2025, Sprea Edizioni celebra questa tradizione con l’uscita del quinto volume della collana Anime Cult Special, un’edizione che promette di entusiasmare i collezionisti e gli appassionati di anime. Il nuovo volume è interamente dedicato alle “Locandine degli Anime”, raccogliendo quasi 50 locandine originali a grandezza naturale, pronte per essere staccate, incorniciate e conservate.
Questo volume si distingue non solo per la qualità della proposta, ma anche per la varietà e l’importanza delle opere che raccoglie. Tra le locandine, infatti, non mancano i capolavori di Hayao Miyazaki, come Il mio vicino Totoro e La città incantata, che sono diventati veri e propri simboli della cultura popolare giapponese. Accanto a questi, ci sono anche i grandi classici di Leiji Matsumoto, come Capitan Harlock e Galaxy Express 999, che hanno segnato un’epoca e influenzato generazioni di appassionati.
Ma cosa rende questo volume così speciale? Innanzitutto, le locandine presenti non sono semplici riproduzioni, ma veri e propri chirashi a grandezza naturale. I chirashi sono dei piccoli poster distribuiti gratuitamente durante le campagne promozionali dei film o agli eventi, e rappresentano una forma unica di arte pubblicitaria. Questi piccoli gioielli, che spesso riproducono l’immagine del poster del film sul lato anteriore e contengono informazioni varie sul retro, sono una parte fondamentale della cultura giapponese. La loro dimensione ridotta e il loro carattere effimero li hanno resi oggetti da collezione molto ricercati, e il volume di Sprea Edizioni offre ai lettori l’opportunità di ammirarli nella loro forma originale, a grandezza naturale.
La scelta di celebrare le locandine di anime non è casuale: queste opere d’arte hanno avuto un impatto significativo nel definire l’immaginario collettivo legato agli anime. Ogni locandina racconta una storia visiva che, pur nella sua immediatezza, racchiude tutta la magia, l’emozione e la potenza visiva che caratterizzano i film d’animazione giapponesi. Non è solo un oggetto da appendere alla parete, ma una finestra su un mondo ricco di emozioni e di estetica senza tempo.
Questa edizione speciale è disponibile sia in formato cartaceo che digitale, offrendo così a tutti gli appassionati, ovunque si trovino, la possibilità di collezionare e apprezzare queste straordinarie locandine. Con il volume che arriva a febbraio 2025, Anime Cult Speciale: Locandine degli Anime si prepara a diventare un must per ogni amante dell’animazione giapponese e per chiunque voglia approfondire la propria passione per l’arte che ha fatto la storia di tanti titoli leggendari.
In definitiva, il quinto volume di Anime Cult Speciale non solo celebra l’arte delle locandine giapponesi, ma porta con sé un pezzo di storia che ogni vero fan non vorrà lasciarsi sfuggire. Con la possibilità di staccare, incorniciare e conservare queste magnifiche opere, questo volume si propone come un tributo all’iconicità che ha reso immortali i titoli anime che amiamo. Non resta che aspettare l’uscita e prepararsi a rivivere la magia delle locandine degli anime!
È arrivato il nuovo numero di Pagine Zen!
È uscito il nuovo numero di PAGINE ZEN, ricco come sempre di approfondimenti e curiosità!
Pagine Zen nasce nel 2001 ed è stato pubblicato fino ad oggi in modo continuativo, per 135 numeri.
Ogni nuovo numero viene spedito a vari Dojo e ad Associazioni di cultura asiatica, Università del territorio italiano e viene anche distribuito in vari matsuri e feste giapponesi.
Ecco quali saranno gli argomenti che PAGINE ZEN andrà ad approfondire nel numero 135:
-L’ultimo shōgun
Tokugawa Yoshinobu
Con approfondimento al link: Approfondimento
-Shimenawa
Sacri intrecci tra noi e le Divinità
Con approfondimento al link: Approfondimento
-裂古破今 Strappare il passato
Giapponese: Rekko hakon - Cinese: Liè gǔ pò jīn
-I fondamenti del Buddhismo
o del tentativo di chiarirne i punti nevralgici
-I surimono di Hokusai
Alcuni esempi dalla mostra a Palazzo Blu di Pisa
-Il culto dei sacri monti in Cina
-Il Drago Cinese
al Museo d’Arte Orientale di Venezia
-La trasmissione del sapere nelle Arti Marziali del Giappone
-Corea
Folklore, miti e leggende
Per accedere a tutti gli 8 approfondimenti e a "Leggi online Pagine Zen" il link è: https://temizen.zenworld.eu/
San Valentino in Giappone e il White Day!
Come in tutto il resto del mondo, in Giappone il 14 febbraio si festeggia il giorno di San Valentino バレンタインデー. Nel paese del Sol Levante però la ricorrenza ha preso un valore un po’ diverso dalla nostra, oltre ad avere varie usanze peculiari.
Bisogna innanzitutto comprendere che il Giappone, non essendo un paese particolarmente influenzato dal Cristianesimo, si cominciò a festeggiare il giorno di San Valentino solamente durante il secolo scorso.
Mentre qui è considerata un’occasione per gli innamorati di passare una giornata romantica insieme ed eventualmente scambiarsi reciprocamente dei regali, in Giappone di solito, durante questa giornata, è solamente la ragazza a regalare qualcosa al proprio amato, quasi sempre dei cioccolatini, acquistati o confezionati da lei stessa.
Il modo in cui la pratica di regalare cioccolato si sia sviluppata in Giappone non è, in realtà, ben chiaro: ci sono varie teorie al riguardo, tra cui, per esempio, che è si è diffusa grazie a Kunio Hara della Mary Chocolate Company, agenzia dolciaria di Tokyo, che si inventò la frase “Una volta l’anno, San Valentino è il giorno in cui le donne possono confessare il proprio amore con il cioccolato”. Questa frase si rivelò successivamente un’interpretazione sbagliata di una lettera che Kunio ricevette da un collaboratore stanziato a Parigi in cui il suo Socio parlava di come la festività venisse festeggiata in Occidente. Kunio, leggendo la lettera, si rese conto che, portando questa tradizione anche in Giappone, avrebbe potuto vendere più cioccolato, non realizzando però che in realtà aveva compreso male la lettera ricevuta e le usanze occidentali.
Altre fonti invece sostengono che questa pratica sia dovuta al movimento di liberazione delle donne, oppure semplicemente sia cominciata per imitare gli stranieri e promuovere le vendite dolciarie.
La teoria più popolare però è sicuramente quella legata alla Morozoff Confectionery, pasticceria di lusso di Kobe, che già nel 1936 aveva pubblicato un annuncio sul giornale con lo slogan “Invia cioccolato al tuo Valentino [la persona amata]”, e questa è la prima testimonianza in assoluto in Giappone della celebrazione della giornata. Il giornale su cui questo è stato pubblicato, il “The Japan Advertiser”, era però in inglese, e quindi era indirizzato solamente agli stranieri residenti nel paese del Sol Levante che erano già familiari con la pratica. Nonostante ciò, si pensa comunque che questo sia stato il primo tassello per la diffusione della celebrazione della festività. La piazza davanti alla stazione di Mikage, la più vicina alla vecchia sede principale della pasticceria, oggi si chiama “Piazza di San Valentino”. Inoltre, nel 1992 la città di Terni, luogo del martirio del santo, ha dato in dono alla città di Kobe la “Statua dell’Amore”, come riconoscimento del luogo di nascita della celebrazione di San Valentino in Giappone.
Oggigiorno in realtà, però, le donne che regalano il cioccolato non lo fanno solo al proprio amato o spasimante, ma anche ai propri amici, ai propri cari e persino ai colleghi.
Esistono quindi varie “categorie” di cioccolato: il Giri-choko 義理チョコ, “cioccolato dell’obbligo”, generalmente cioccolatini a basso prezzo e qualità, che vengono regalati a colleghi di lavoro, compagni di classe e conoscenti. La società giapponese è collettivista, e questo fa sentire le persone in obbligo di conformarsi il più possibile, e ciò si riflette anche in questa pratica, che fa sentire le donne in dovere di spendere tempo e denaro per fare questi regali. Negli ultimi anni l’usanza del Giri-choko è stata criticata molto e ormai si fa sempre meno.
Poi c’è il Tomo-choko 友チョコ, “cioccolato dell’amico”, cioccolatini regalati agli amici stretti, donati con sentimenti veritieri di affetto.
Il più ambito e conosciuto però è sicuramente il Honmei-choko 本命チョコ, ovvero “cioccolato del prediletto”. Questo è il cioccolato che si regala solamente alla persona che si ama veramente, e si usa sia per esprimere l’amore verso il proprio partner, sia per fare una vera e propria dichiarazione amorosa. Il cioccolato che viene regalato in questa occasione viene spesso preparato minuziosamente e confezionato in casa, oppure comprato in una pasticceria di lusso.
Recentemente, questo “rito” non viene effettuato solo dalle ragazze: pur rimanendo sempre la maggioranza, in generale è un gesto fatto da chiunque voglia esprimere i propri sentimenti nei confronti di un’altra persona.
Ci sono anche altre categorie di cioccolato meno conosciute, come il Jiko-choko 自己チョコ, “cioccolato autonomo”, che si acquista e si consuma da soli, pratica sempre più diffusa dopo il 2010, oppure l’Oshi-choko 推しチョコ, in cui i giovani postano sui social foto di dolci e regali che darebbero al proprio idolo o celebrità preferita se potessero passare la giornata insieme.
In Giappone c’è però un’altra festività legata al giorno di San Valentino, il White Day ホワイトデー.
Avviene il 14 marzo, esattamente un mese dopo la celebrazione precedente. Gli uomini che hanno ricevuto il Honmei choko, se ricambiano i sentimenti della spasimante, per dimostrare il loro affetto dovranno regalarle cibi come il cioccolato bianco, i marshmallows e caramelle, accompagnandoli con accessori bianchi come borse, fiori, creme e biancheria intima: questo perché in Giappone si suol dire che gli uomini dovrebbero regalare qualcosa che valga circa tre volte il prezzo del regalo ricevuto a San Valentino, secondo la regola del sanbai gaeshi (三倍返し, “ritorno triplo”).
Anche questa festa è nata da una campagna pubblicitaria di un’azienda dolciaria, la Ishimura Manseido, che nel 1977 ha invitato gli uomini a comprare i marshmallow, chiamandola appunto Marshmallow Day マシュマロデー. L’Associazione Nazionale dell’Industria Dolciaria ha poi attribuito nel 1978 il nome attuale di “White Day” alla giornata e il suo ruolo di “risposta” ai regali di San Valentino.
Da allora, questa festività si è diffusa anche in altri paesi dell’Asia orientale, infatti si festeggia anche in Cina, Corea, Taiwan, Vietnam e altri.
Complessivamente però, si tende a festeggiare e spendere sempre meno per queste due giornate, criticate negli ultimi anni sia da un punto di vista sociologico, con ruoli di genere che mutano continuamente, sia da un punto di vista economico, considerata talvolta uno spreco di soldi essendo una festività puramente commerciale, soprattutto nel paese del Sol Levante.
"Oltre Sushi e Origami", il programma radiofonico dedicato al Giappone
"Oltre Sushi e Origami" è un programma radiofonico di Vinyl Sound Radio, webradio di Brescia, che trasmette in tutta Italia.
È una rubrica tutta a tema Giappone della durata di due ore circa, che va in onda la domenica alle 17.00 sul canale della radio raggiungibile dal sito https://www.vinylsoundradio.com o dall'app gratuita scaricabile su tutti gli store (e in replica tutti i giorni a diversi orari).
Ogni settimana un tema differente e ampiamente approfondito sulla cultura, la storia e le usanze giapponesi, raccontato da un'italiana, Haru, che ha vissuto in Giappone e che conosce molto bene la lingua e tiene tutt'ora diversi contatti con il paese. Al termine di ogni puntata anche una piccola lezione di lingua giapponese, con il focus su tre termini scelti tra quelli utilizzati durante la puntata.
Temi trattati: scuola, cucina, treni, matsuri e feste, ricorrenze, tattoo, arti, origami, ecc.
Ogni settimana viene creato anche il podcast di ogni puntata, che rimane poi disponibile insieme ai precedenti, per sempre sul canale dedicato della radio e sui principali motori di podcast come Spotify, Apple Podcast, Amazon Music e altri.
https://www.spreaker.com/podcast/vinyl-sound-radio-oltre-sushi-e-origami--6330515
Orario: DOM 17.00 (nuova puntata settimanale)
Repliche:
LUN 21.00
MAR 13.00
MER 9.00
GIO 14.00
VEN 16.00
SAB 12.00
Social: Facebook e Instagram @vinylsoundradio
IL GIOCO DEL DESTINO E DELLA FANTASIA (Gūzen to sōzō, 2021), Ryūsuke Hamaguchi
di Marcella Leonardi
L'articolo è tratto dal blog di cinema giapponese classico e contemporaneo NUBI FLUTTUANTI
Da tre racconti di Ryūsuke Hamaguchi: Magia (o qualcosa di meno rassicurante) - Porta spalancata - Ancora una volta. Il film è in streaming su Raiplay.
Per chi scrive, Il gioco del destino e della fantasia è forse il più bel film di Hamaguchi. Un’opera che instaura un contatto intimo e intenso con lo spettatore, una “specie di magia”, come vuole il titolo del primo episodio; o una “porta spalancata” sull’animo dei personaggi, le cui vicende ed emozioni si ripercuotono sulla nostra esperienza.
Il primo episodio è focalizzato sulla giovane Meiko e sui sentimenti contrastanti nel confronti dell’ ex Kazu, che ora frequenta la sua migliore amica Tsugumi. Durante una corsa in taxi l’ignara Tsugumi racconta a Meiko dell’incontro; ed è meraviglioso come Hamaguchi trasformi un semplice spostamento in automobile in una discesa nel segreto, quasi un’immersione nella psiche. Mentre le due amiche parlano, la strada scorre illuminata nella notte, si addentra in sottopassi, si attorciglia in infiniti percorsi lungo la città. Le luci si riflettono sui volti delle donne e la conversazione diviene rivelazione profonda. Hamaguchi gioca su un’alternanza di “dentro e fuori”: dentro l’auto, fuori nella città-mappa dell’inconscio, ma anche dentro e fuori l’ufficio dove Meiko confronterà Kazu e infine dentro-fuori il bar. Le dimensioni sono separate da vetrate e finestre, in un indefinito di iridescenze e illusioni; il vetro è anche uno schermo dove la vita proietta l’imprevisto.
C’è un misto di irrazionalità ed entomologia che solo il brano di Schumann, che introduce ed intervalla i tre episodi, riesce a sintetizzare con la sua melodia matematica. Sensuale ma nitida, intima e autunnale ma anche chiara e ben scandita, la partitura di Schumann è la controparte musicale dei dialoghi, delle confessioni a due voci, delle pause e degli “andanti” animosi che si scatenano nella mente.
Il secondo episodio è più malinconico: un destino di solitudine per Nao, che accetta di aiutare il suo giovane amante Sasaki tendendo una trappola al professore universitario che lo ha bocciato. “I nostri corpi sono perfettamente compatibili” dice Sasaki per convincerla. Le inquadrature sembrano dargli ragione: i corpi degli amanti si muovono all’unisono, o si allungano in orizzontale in composizioni armoniche, l’uno lo specchio dell’altro, in una mise-en-abyme del desiderio. Ma se con Sasaki l’intesa è fisica, con il professor Segawa sarà la parola a schiudere un’affinità elettiva, una messa a nudo del cuore. Hamaguchi filma la conversazione tra Nao e Segawa modulando in modo incantevole la luce solare che entra dalla finestra. I raggi aumentano o diminuiscono d’intensità, mentre le emozioni vengono inondate di sole, o si nascondono ritrose nell’ombra. È un
momento magnifico e delicato, che contrasta con la pornografia del romanzo del professore, letto da Nao ad alta voce; eppure, sono proprio quelle volgarità “lette con una voce bellissima” ad avere effetto inebriante. La regia del dialogo attinge esplicitamente alla filosofia di Ozu secondo cui “esiste la sensibilità, non la grammatica (del cinema)”: la codifica relativa al raccordo di sguardo viene completamente disattesa. Nao e Segawa dialogano “guardando in macchina” e lo spettatore incrocia in prima persona i loro occhi. La sensazione è di profonda emozione. È raro e bellissimo che un regista si prodighi per condividere con il suo pubblico un momento cruciale: il cinema di Hamaguchi è un privilegio.
L’ultimo episodio è il più magico e tremulo: un gioco che cambia la realtà e la vita stessa. Ciò che accade tra Natsuko e Aya ha del meraviglioso: da un fraintendimento nasce la possibilità di mettere in scena la vita, mutarla, stabilire un nuovo (lieto) fine. In un certo senso i due gentili, timidi personaggi femminili si appropriano del mestiere del regista e inventano per sé un destino, confondendo realtà e finzione. Le attrici Fusako Urabe e Aoba Kawai sono così brave da farci percepire ogni sfumatura, ogni minimo movimento nell’anima delle due donne; si piange e si ride con loro, mentre Hamaguchi le avvicina sempre più. Con stacchi a 180° intreccia le due esistenze, le mette di fronte a uno specchio in cui finalmente è possibile un riconoscimento.
“A volte mi chiedo perché sono qui. Potevo diventare qualsiasi cosa, ma il tempo è volato via prima che me ne accorgessi.”
L’episodio conquista qualcosa di bello e vero – raggiunge un nucleo di verità, lo sfiora appena lasciandolo intatto in tutta la sua bellezza. Ogni essere umano è fragile. Nulla sembra accadere mentre le parole scorrono come un fiume; ma ogni parola, libera e misteriosa, diventa la sostanza impalpabile in cui il mondo interiore si rivela. Le domande dell’esistenza – i “se”, i “forse” – sembrano approdare a una quiete, forse una temporanea soluzione. E la vita, nonostante tutto, è ancora una volta meravigliosa e degna di essere vissuta.
[Marcella Leonardi è critica cinematografica e docente. Da sempre appassionata di cinema, ha collaborato con varie testate tra cui Sonatine, Cinefilia Ritrovata, Nocturno e Otto e mezzo. Da alcuni anni si dedica prevalentemente al cinema giapponese.]
Kagurazaka Saryo, la sala di tè giapponese a Milano per la prima volta in Europa
Kagurazaka Saryo 神楽坂 茶寮, storica sala di tè e bistrot giapponese originaria di Tokyo, apre per la primissima volta in Europa proprio a Milano, a Corso Como 12, zona Garibaldi.
Il brand di caffetteria del gruppo Aya Company ha aperto i battenti per portare qui a Milano la vera gastronomia giapponese tra dolci artigianali e tè pregiati, ma anche piatti come ramen e udon.
Il menù del locale promette l'autenticità dei suoi piatti alla tradizione giapponese: proprio come nelle sue sedi giapponesi, la proposta si focalizza sulla selezione di tè raffinati selezionati dai giardini di Kakegawa nello Shizuoka, come il tè verde sencha, e dessert preparati con matcha proveniente da Uji a Kyoto. I dolci più popolari offerti sono sicuramente l’Hekira Mont Blanc al matcha, preparato esclusivamente al momento con castagne giapponesi e una crema di matcha di alta qualità, e la Coppa di gelato milleveli "Saryō", un parfait al matcha con decorazioni per richiamare l'aspetto dei giardini giapponesi.
Kagurazaka Saryo, oltre alle diverse sedi nel Paese del Sol Levante, ha alcuni locali in paesi esteri come in Canada e Thailandia, ma fino ad ora non in un paese europeo.
La scelta della recente apertura a Milano non è per nulla casuale: "Milano non è solo un faro mondiale per la moda e il design, ma è anche la città dove nascono le innovazioni", afferma Kinya Oguchi, presidente del gruppo Aya Company. "Abbiamo deciso di portare la cucina giapponese autentica in Italia, convinti che il pubblico italiano, con il suo amore per la raffinatezza e la sua lunga tradizione gastronomica, fosse il più adatto ad apprezzarla”.
Il locale ha uno stile tra l'estetica tradizionale giapponese, con elementi d'arredo artigianali e bonsai importati, e design moderno, basandosi del concetto "wa-modern", ovvero "giapponese-moderno"; gli spazi sono stati progettati dall'architetto Katsuya Takeda.
Una storia che unisce culture: Yuko, sushi e kimono tra Giappone e Italia
Storia provvedutaci da Gianluca D'Elia.
Yuko è una donna giapponese che ha avuto il coraggio di sfidare le convenzioni e attraversare l'oceano per inseguire la libertà di esprimersi. Fin da bambina, i colori l'hanno affascinata, diventando il suo linguaggio preferito. In Giappone ha studiato arte, immergendosi nella cultura visiva del suo paese, ma il desiderio di esplorare il mondo è cresciuto con lei. Dopo anni di viaggi in ogni angolo del globo, Yuko ha scelto di fermarsi in Italia, a Reggio Emilia, dove ha trovato una nuova casa e una nuova ispirazione. Qui si è innamorata della cultura italiana, scoprendo un dialogo profondo tra la sua terra natale e il paese che l'aveva accolta. Ma Yuko non ha mai abbandonato le sue radici: ha deciso di raccontarsi attraverso due passioni che uniscono tradizione e innovazione, cucina e moda.
La preparazione del sushi è una pratica riservata agli uomini in Giappone, un lavoro codificato da regole antiche. Eppure Yuko, con tenacia e determinazione, ha deciso di rompere questo schema. Ha iniziato a preparare sushi nelle case delle persone, trasformando ogni pasto in un'esperienza culturale. Attraverso il cibo, racconta il suo paese, le sue tradizioni e la bellezza di una cultura millenaria, portandola a contatto diretto con chiunque voglia ascoltarla. Parallelamente, Yuko disegna kimono, abiti tradizionali che rielabora fondendo elementi delle culture che ha incontrato durante i suoi viaggi. Ogni kimono diventa un pezzo unico, un racconto tessuto che unisce Oriente e Occidente, tradizione e contemporaneità. Le sfide che Yuko ha affrontato non sono state poche. Superare i pregiudizi culturali, trovare il proprio posto in un paese straniero, costruire un ponte tra mondi lontani.
Tuttavia, ha sempre trovato forza nelle parole di sua madre: “Sentiti libera di fare sempre quello che vuoi”. E così, con i suoi piatti e i suoi kimono, Yuko non solo racconta se stessa ma celebra anche l'incontro tra culture, trasformando ogni sfida in un'opportunità per creare qualcosa di straordinario.
Vi invitiamo caldamente alla visione delle fotografie evocative di Yuko scattate dalla fotografa Licia Carpi e allo straordinario filmato del regista Gianluca D'Elia al link seguente: https://www.youtube.com/watch?v=OdTsDtEIfkA
ASURA (Asura no Gotoku, 2025), Hirokazu Kore’eda
di Marcella Leonardi
L'articolo è tratto dal blog di cinema giapponese classico e contemporaneo NUBI FLUTTUANTI
Koreeda rivisita la serie TV del 1979 Like Asura, basata sull'omonimo romanzo di Mukoda Kuniko. La vita delle quattro sorelle Takezawa - l'insegnante di ikebana Tsunako, la casalinga Makiko, la bibliotecaria Takiko e la cameriera Sakiko - viene sconvolta dalla scoperta della relazione extraconiugale dell'anziano padre. Incarnando i tumultuosi semidei "asura", le donne si scontrano in modo turbolento, mettendo a confronto visioni diverse della vita e dell'amore; ma il conflitto rafforzerà il loro profondo legame e la consapevolezza di se stesse.
Con Asura il regista Koreeda riesce ad assecondare le “linee guida” della piattaforma Netflix senza però tradire la propria natura, quegli elementi stilistici e tematici che fanno di lui un autore originale e riconoscibile. Un certo grado di standardizzazione produttiva è presente, ma il regista aggira gli stereotipi con gusto ludico fino a trascenderli.
Se è vero che Asura risponde all'esigenza di internazionalità - il Giappone proposto è tradizionale, quasi una cartolina dell'immaginario del pubblico, nutrito di esotismi, mistica della preparazione del cibo, personaggi di elegante reticenza e scorci urbani caratteristici – allo stesso tempo Koreeda vi insinua inquietudine, instabilità e follia.
Il regista ricrea un Giappone "ideale", fatto di piccoli negozi, venditori ambulanti, nostalgie e vecchi rituali; l'espediente utilizzato è la collocazione della vicenda negli anni '70, in modo da poter indugiare in un mentalità trascorsa (la sottomissione femminile, la centralità dell'istituzione matrimoniale); ma è proprio attraverso le maglie di questo anacronismo affettuoso che si spalanca la crepa, l'istinto e il desiderio. Asura, ammantato di ricordi, cova una tensione profondamente contemporanea; e di rado, nella televisione attuale, si sono viste figure femminili tanto complesse e misteriose, animate da un'irriducibilità che manda in frantumi ruoli e aspettative sociali.
Le quattro sorelle, così differenti e vive, creano una fervida unità familiare non-conforme e legata da un'indissolubile scia d'amore. Ciascuna di loro cova una rivoluzione interiore, una trasformazione che è la stessa degli intensi personaggi femminili del cinema giapponese classico, in bilico tra passato e futuro; ma il Giappone di oggi, in fondo, è così differente?
Esattamente come Yuki Tanada in Tokyo Girl, 2017 (altra straordinaria serie contemporanea), Koreeda sembra suggerirci che la vita delle donne è ancora inchiodata a determinati obblighi sociali: lo status, il mantenimento delle apparenze, ma soprattutto la ricerca di un marito che garantisca la costituzione di una cellula sociale/economica e le sottragga a una disdicevole solitudine. “Meglio un marito traditore di un marito morto”, dice Tsunako a Makiko; e alle stesse conclusioni giungeva Tanada, mettendo a nudo ipocrisie, compromessi e umiliazioni della vita matrimoniale in Giappone.
Parlare del presente attraverso il filtro del passato è qualcosa che Asura compie magnificamente, trasformando ogni sequenza in una dichiarazione d’amore al cinema trascorso, al grande classicismo di Ozu e Naruse, testimoni del mistero femminile. Le quattro sorelle sono “divinità che all’esterno incarnano tutto ciò che è virtuoso; ma sono anche sprezzanti”, come spiega Satomi, marito di Makiko, all’ingenuo Katsumata. In un altro episodio la donna viene associata alla “volpe” (kitsune), secondo la mitologia giapponese.
Del resto tutta la serie è percorsa da riferimenti a leggende e letteratura giapponese, da Momotarō ai racconti di Natsume Soseki, che il regista utilizza in passaggi e transizioni, inserendoli nei dialoghi o affidandoli agli epiloghi della voce narrante fuori campo: la tradizione come saggezza, come limpidezza in un presente che sconcerta.
Si prova un enorme piacere, guardando Asura, nello scorgere il costante richiamo allo stile classico: Ozu “presiede” idealmente lo studio degli interni della serie, talora sovraffollati di oggetti, poster e decorazioni (come gli appartamenti “popolari” dei film muti degli anni ’30), altrove elegantemente ordinati da pattern e geometrie (nel caso delle classi più abbienti). C’è un’attenzione maniacale nei confronti di motivi, decori, quadrettature che si ripetono e si rincorrono visivamente.
Ci sono anche apparecchi televisivi, alcuni appena usciti dal proprio imballo (come accadeva in Ohayō, 1959 dove in primo piano spesso appariva la “scatola” ad intralciare il passaggio).
Negli anni ’70 le figure femminili sono vogliose di indipendenza, ma la collettività è sempre pronta a spiare e spettegolare: Takiko non ha un uomo, sicuramente perché “si trascura”; Makiko, sebbene sia una moglie perfetta, è costretta ad accettare il tradimento del marito (ennesimo uomo debole, come tanti ne abbiamo visti nel cinema giapponese); Tsunako, rimasta vedova, si umilia come amante (e sembra di essere tornati all’analisi finissima di Naruse nel suo As a Wife, as a Woman); Sakiko, ribelle e pulsionale come la “ragazza del cielo blu” Ayako Wakao, vive alla giornata con un pugile.
Su tutte pesa l’ombra della figura paterna, un uomo che, simile al Nakamura Ganjirō II di Erbe Fluttuanti (1959) o L’autunno della famiglia Kohayagawa (1961), gestisce in maniera irresponsabile una relazione extraconiugale, creando sofferenze tanto alla moglie quanto alla giovane amante.
Eppure, sebbene imprigionate in una quotidianità opprimente, le sorelle esprimono tutta la gioia vitale della propria “divinità”: meravigliosa la sequenza che le vede ridere e giocare insieme come le protagoniste de Il sapore del riso al tè verde (1951), dalla sensualità infantile e ribelle, sullo sfondo di rigide geometrie compositive. È impossibile carpire il segreto che le anima, l’interiorità fremente e in continua trasformazione tra luce e ombra, alla quale il mondo deve il proprio movimento.
2025: l’anno del Serpente
Secondo il calendario tradizionale cinese, il 2025 è l’anno del Serpente.
Alla suddivisione degli anni secondo i 12 segni zodiacali se ne sovrappone una seconda, detta dei “Tronchi celesti”, che vede ognuno dei cinque elementi cinesi (acqua, legno, fuoco, metallo e terra) manifestarsi in forma yin e in forma yang, creando quindi un totale di dieci Tronchi celesti. Questi, unendosi a gli animali dello zodiaco, creano un ciclo di sessant’anni. Ad esempio, il 2025 sarà non solo l’anno del Serpente, ma sarà più precisamente l’anno del Serpente di Legno yin, che si ripresenterà tra sessant’anni, nel 2085.
Nella nostra cultura, e generalmente anche oggi in quella giapponese, il serpente è un animale dalla forte simbologia negativa, ma non è sempre così. Dall’antichità, in Giappone è considerato un animale sacro e venerato come divinità dell’abbondanza e della ricchezza, oltre a essere considerato un simbolo di guarigione e rinascita, grazie alla sua grande forza vitale e alla sua capacità di curare le proprie ferite quando cambia la pelle. Inoltre, è considerato un animale porta fortuna: in particolare, fare un sogno immedesimandosi con questo animale è considerato un buon presagio.
Il Serpente è il sesto animale dello zodiaco e, secondo l’oroscopo tradizionale, le persone nate nell’anno del Serpente si contraddistinguono per la saggezza, il fascino e la predilezione per ciò che è raffinato. Più precisamente, le persone nate nell’anno del Serpente di Legno yin sono considerate determinate, perseveranti, a volte persino testarde, oltre a essere molto sagge e perspicaci. Inoltre, sono giudicate molto comunicative e amanti della conversazione, a patto che questa sia interessante e stimolante. Si dice anche che siano persone attente a mantenere un rapporto armonioso con ciò che le circonda, pur valorizzando le proprie opinioni personali. Un altro tratto caratterizzante è poi la franchezza, che però può essere un’arma a doppio taglio e portare a fraintendimenti. Nello specifico, si dice che gli uomini di questo segno siano premurosi, abbiano un buon senso estetico e siano razionali; e che le donne, invece, siano energiche, affascinanti e gentili.
Come sarà l’anno del Serpente di Legno yin? La natura beneaugurante del serpente si riflette anche nelle aspettative per l’anno, che si prospetta ricco di successo e di crescita. L’energia del Serpente sarà però mitigata dall’influenza del Legno yin, che porta naturalmente a non completare la realizzazione delle cose. Per raggiungere i nostri obiettivi sarà quindi importante perseverare nei nostri sforzi così da iniziare a raccoglierne i frutti.
Francesca Mora
Intervista a Tomoko Nagao
- Da quanti anni vive in Italia?
Da quasi 20 anni.
- Ho visto che ha studiato in Giappone e a Londra. Qual è stato il suo percorso?
Ho sempre studiato Belle arti, sin dal liceo. Dopodiché mi sono laureata, sempre in Belle arti, e ho studiato Arte contemporanea al B-semi Schooling System (Yokohama). Questi studi mi hanno avvicinato al mondo dell’arte contemporanea giapponese. Dopo la laurea ho studiato al Chelsea College Art and Design di Londra, dove ho vissuto per 4 o 5 anni, e infine quasi vent’anni fa mi sono trasferita a Milano quando mi sono sposata con un italiano.
- Ha usato molto icone del Rinascimento italiano, come la Gioconda, la Venere di Botticelli, oltre a opere di Caravaggio. Qual è il suo legame e il rapporto che ha con l’arte italiana?
Quando vivevo a Londra ho cominciato a pensare alla mia identità giapponese, dato che venivo vista per prima cosa come asiatica, poi come giapponese e infine come donna. Dopodiché, ho pensato di collegare questa mia identità all’arte. Una volta arrivata in Italia ho legato con il territorio, iniziando a pensare alle sue icone nell’arte, che ho rielaborato con uno stile giapponese.
Per me la storia dell’arte è anche la storia dell’Europa: credo che l’arte sia legata alla società e la rifletta anche nei suoi cambiamenti. Nelle icone del passato, del periodo di Botticelli ad esempio, posso vedere cosa la gente pensasse del periodo in cui viveva. Per me la storia dell’arte è allo stesso tempo la storia del mondo, e ovviamente l’Italia nella storia dell’arte ha avuto un ruolo centrale. È a questo a cui ho voluto collegare la mia identità.
- Lei utilizza diversi media, lo stencil all’acquerello, l’olio su tela anche. C’è un media che preferisce?
Prevalentemente uso la pittura, anche se creo anche sculture, opere digitali e collaborazioni di moda e design. Per me la cosa più importante è il concetto, l’idea alla base di un’opera che poi sviluppo in modi e con metodi diversi, dal disegno alla scultura o all’installazione.
- È anche per questo che a distanza di anni ritorna a lavorare su soggetti che ha già pensato ma che rifà in altre forme, in altri colori, altre modalità?
Sì, voglio sviluppare un tema quanto più possibile, molto spesso ritorno a lavorare sui soggetti. Per esempio è da molto tempo che uso il personaggio e la storia di Salomè, tanto che la mia Salomè è diventata quasi come un logo che mi rappresenta. Una volta ideato il personaggio lo sviluppo poi in tanti modi, con l’arte tradizionale a quella digitale e street art.
- Ha un pubblico in mente quando realizza le opere? A chi si rivolgono?
Onestamente sono molto attenta al futuro. Naturalmente devo vendere, alle gallerie, direttamente ai collezionisti, o anche a persone che comprano una mia opera per la prima volta, ma è al futuro che guardo. Penso a come possa far sopravvivere nel futuro il mio nome e la mia arte, sono più interessata a quando non ci sarò più. Non penso tanto a come la gente guarda le mie opere oggi, su internet e sui social si dicono tante cose, ci sono tantissime opinioni, che ascolto senza darci peso perché è più importante ascoltare sé stessi e immaginare come verranno viste le mie opere tra cent’anni. È con questo focus che creo la mia arte.
- Mi collego a quello che stava dicendo, i suoi collezionisti e chi compra le sue opere sono più privati, musei o esposizioni pubbliche?
Per la maggior parte si tratta di collezionisti privati e gallerie. In questi anni poi mi è capitato anche di vendere a un museo e, l’anno scorso, di lavorare a un’installazione di public art, che ho eseguito per la prima volta nei pressi del Taipei Dome di Taiwan grazie alla collaborazione con lo studio FunDesign. In questo caso l’acquirente è stato il governo taiwanese. L’opera, collocata sul pavimento della piazza davanti al Taipei Dome, è grande di 15 metri ed è realizzata in ghisa e colore.
“L'Allegoria della Cupola di Taipei” è un’opera che si presenta a più livelli e si ispira all'iconico affresco dell'artista italiano Giovanni Battista Tiepolo. La combinazione del Rococò e di simboli come lo stadio di baseball e i beni di consumo si intrecciano in un mondo di credenze multiple. Gli angeli nel dipinto guidano le vie per esplorare ogni angolo di questo centro: rappresentando semplicemente un indice. Forse le persone saranno guidate attraverso l'hub, verso la loro destinazione, forse si fermeranno a godersi il cielo a terra, o forse ancora incontreranno qualcuno lungo la strada. È un luogo dove iniziare un nuovo viaggio.
- Cosa c’è dietro al suo personaggio di Salomè?
Il personaggio di Salomè è stato realizzato prima come murales, poi con stencil, con la grafica digitale, in sculture di diverse dimensioni e materiali: quelle piccole o medie sono in resina, ma ne ho fatte anche in forma di palloncini, anche di molto grandi, come un gonfiabile di 10 metri. Per me questo concept è ancora importante. Il personaggio deriva dalla Bibbia e secondo la storia, la testa sul piatto dovrebbe essere quella di un uomo, Giovanni Battista. Nella mia interpretazione, invece, la testa è quella di una donna, perché credo che nella nostra società la donna sia una vittima. Per questo ho voluto fare questo cambiamento.
- In alcuni articoli si legge che il suo stile è ispirato a quello di Nara Yoshimoto e di Takashi Murakami. Lei riconosce la loro influenza sul suo modo di fare arte?
Essendo nata e cresciuta a Nagoya, ho frequentato le scuole lì e quando ho cominciato a fare arte, intorno agli 11 anni, Nara è venuto a insegnare disegno in un corso extra-scolastico in una scuola molto grande della mia città. Non solo ho frequentato il corso, ma sono anche andata a vedere le sue prime mostre, allestite sempre a Nagoya. Magari un’influenza c’è stata, ma non è che abbia studiato tanto i suoi lavori. Su Takashi Murakami e sul suo stile Superflat ho letto tanto. Durante il mio soggiorno a Londra, sono stata molto influenzata dal femminismo nel mondo dell’arte e da artisti come Tracey Emin, che negli anni ’90 era una superstar, da Julian Opie, che usava queste linee nere e rotonde molto simili a quelle che uso oggi, e in generale dai British Young Artists.
- Lei si è occupata anche di ambientalismo, soprattutto in relazione al Triplice Disastro del Tohoku del 2011. Questo tema nasce in risposta a questo evento o lo precede?
In realtà le mie opere non si focalizzano sulla critica della società. Magari al loro interno si possono vedere tanti problemi della società di oggi, ci sono temi come il femminismo e l’ecologia, ma questo deriva dalla mia visione personale e dal mio creare l’opera secondo ciò che vedo. Per esempio, in alcune opere si possono vedere tanti oggetti che galleggiano sul mare, prodotti del supermercato o di McDonalds, ma questo vuole essere una rappresentazione di come vedo la realtà e la società degli anni Duemila e non una critica o un giudizio. Magari in futuro qualcuno si esprimerà su come gli anni Duemila fossero brutti o belli, non so.
- Su cosa sta lavorando al momento?
In molti mi chiedono se ho cambiato stile, perché ultimamente sto lavorando tanto con la ceramica e con gli acquerelli ma non è così. Come soggetto sto sviluppando la natura in chiave animistica: secondo il pensiero giapponese, nella natura, negli alberi, nei fiori c’è un’anima ed è quest’anima che voglio rappresentare.
- Ci può dire qualcosa in merito alle opere realizzate per il progetto “Arte in cantiere”, conclusosi lo scorso settembre?
Ho realizzato delle opere pensate espressamente per questo progetto davanti a un pubblico durante una performance di live painting. Mi hanno chiesto di fare qualcosa sul tema della natura, quindi ho fatto una vanitas (NDR: natura morta che allude alla caducità della vita e all’incombenza della morte) con la tecnica dello stencil, con dei fiori, un teschio, delle farfalle e altri insetti. È da un po’ che sono interessata alle vanitas e alla pittura del XVI/XVII secolo, soprattutto quella fiamminga. Come al solito, ho personalizzato questo tema al computer con il mio stile e le mie linee, dopodiché ne ho ricavato uno stencil. Voglio rappresentare la natura che nasce e muore, concetto tipico delle vanitas e che si esprime nel “memento mori”, che anche noi giapponesi abbiamo nella nostra cultura. Noi crediamo nella reincarnazione: un giorno sono umana ma poi nella prossima vita magari sarò un insetto, come una farfalla.
- Quali sono i suoi prossimi progetti?
Il mio prossimo progetto è una collaborazione che sto mandando avanti con Fundesign di Taiwan, la stessa con cui ho lavorato nel 2023 per il progetto di public art di Taipei. Al momento, sto portando avanti la collaborazione con questo studio di eventi e design attraverso la produzione di sculture di angeli, realizzate in resina, che saranno poi messe in vendita tra la fine dell’anno e l’inizio del 2025.
L’ispirazione alla base di queste sculture deriva dell’affresco “Apoteosi della famiglia Pisani” di Tiepolo, che ho reinterpretato con la mia arte digitale nel 2020, mentre riflettevo sulla natura durante al periodo del COVID: percepivo l’assenza della natura e la messa in discussione della vita urbana della società contemporanea. Questi otto angeli rappresentano elementi naturali come la pioggia, il mare, le foglie, il sole, le foreste e i fiori: da questi concetti derivano i loro colori.
http://tomokonagao.info/index.html
Intervista di Francesca Mora